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La Bauhaus de Dessau

1- ANÁLISIS DE LA OBRA

1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA CIVIL, FUNCIONAL

1.2- MATERIALES: nuevos materiales (cemento armado, acero y vidrio), etc.

1.3- ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS Y DECORATIVOS.

Diversos módulos distribuidos asimétricamente (juego en alzado de planos verticales y horizontales) que se interrelacionan. Estructura en forma de doble L o aspa.

Características generales: formas puras, líneas rectas, ausencia de decoración, amplios acristalamientos, adaptación a función. Integrada en el espacio urbano: paralela a una carretera y atravesada por otra. Amplios acristalamientos corridos para garantizar luminosidad. Apartamentos con división en ventanales individuales para garantizar espacio privado. Pureza de formas, diafanidad de espacios.

Se pueden diferenciar varias dependencias:

- Zona creativa (bloque de aulas)

- Zona administrativa (Puente)

- Zona de trabajo talleres

- Espacio social (sala de reuniones y cafetería)

- Espacio privado apartamentos

1.4- Finalidad. Con el edificio de la Bauhaus, Gropius puso en práctica su ambición de diseñar procesos de vida, así como de unir arte, técnica y estética en busca de funcionalidad.

2- CLASIFICACIÓN

2.1 ESTILO y PERIODO: Racionalismo, siglo XX. A lo largo del siglo XX fueron muchos los cambios que se realizaron en el campo de la arquitectura, muchos de ellos originados por el tipo de sociedad derivado de la segunda revolución industrial.

La mayor parte de la población vive en ciudades, por tanto uno de los objetivos principales va a ser la planificación de las mismas. Otro de los problemas que trae consigo el desarrollo de las ciudades es el importante crecimiento de la población y los problemas para encontrar una vivienda. La solución eran los rascacielos, que surgen a finales del siglo XIX en Estados Unidos y que se continúan en el XX. Con el rascacielos se consigue concentrar a un gran número de personas en un espacio relativamente pequeño que podía reunir condiciones de vida dignas. Con idéntica finalidad surgen las unidades de habitación de Le Corbusier. De esto se concluye que la forma ha de subordinarse a la función. Lo importante de un edificio es que sea funcional, que cumpla lo mejor posible la función para la que ha sido creado.

El muro tradicional será desplazado por el muro cortina, un muro que ha perdido su función sustentante, los materiales tradicionales pueden ser sustituidos por otros más ligeros, generalmente vidrio. El siglo XX pretende la ruptura con la tradición, liberando al arquitecto de las cadenas de estilos anteriores y creando un nuevo lenguaje caracterizado por la libertad absoluta.

El racionalismo plantea la búsqueda de una arquitectura basada en la razón que se adecue perfectamente para la función para la que ha sido pensada. Es una forma de interpretar la arquitectura en la que lo ornamental no tiene cabida. Se fundamenta en las formas puras y geométricas. Se prescinde de cualquier jerarquía o referencia al pasado.

Resumiendo, los rasgos fundamentales del racionalismo o funcionalismo son:

- Simplicidad de las formas.

- Desaparición de la ornamentación.

- Empleo de materiales industriales.

- Dinamismo constructivo.

2.2 AUTOR: Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915 se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus; esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.

Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928. A partir de 1926, Gropius se dedicó a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción, para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.

2.3 TÍTULO: La Bauhaus. Etimológicamente significa, Casa de Construcción, fue fundada en 1919, en Weimar (Alemania), por Walter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlín. El espíritu y las enseñanzas de esta institución puede decirse se extendieron por todo el mundo. Con el movimiento de Weimar a Dessau, la Bauhaus tuvo la oportunidad de crear un edificio que ofreciera óptimas condiciones de trabajo al poder desarrollar su propio diseño, que fue llevado adelante por el propio Walter Gropius e inaugurado el 4 de diciembre de 1926, convirtiéndose rápidamente en icono de inicios del movimiento Moderno.

3- CONTEXTO, HISTÓRICO-SOCIAL: La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo. La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.

VILLA SABOYA

1- ANÁLISIS DE LA OBRA

1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA CIVIL, FUNCIONAL. Se trata de una construcción de apariencia horizontal, sostenida por estrechos pilares, y en cuyo muro se abren grandes ventanales horizontales.

1.2- MATERIALES: nuevos materiales (hormigón armado, hierro y vidrio), etc.

1.3- ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS Y DECORATIVOS.

Se observa la preferencia por las formas cúbicas, por influencia de las vanguardias pláticas. La planta de vivienda es un volumen cúbico único con los muros completamente abiertos por una ventana longitudinal. En la parte superior se aprecia el uso de la línea curva, pero siempre dentro del concepto de volúmenes nítidos.

Tratándose de un edificio racionalista, y por tanto englobado en el movimiento moderno, concebido como máquina para habitar, se cumplen los siguientes principios:

- Pilotes o pilares como elemento sustentante y aislante, que a la vez eviten los espacios oscuros. Sobre estos se erige la vivienda, que queda aislada del suelo para evitar espacios oscuros y humedades.

- Techos-jardín, como aislante y expansión del edificio. Formado por terraza con plantas; estas plantas, además, aíslan el edificio.

- Planta libre, adaptada igualmente a la distribución y las necesidades. Cada piso puede ser distribuido libremente debido a la ausencia de muros y al sistema de pilares.

- Fachada libre. Del mismo modo, la fachada puede ser dispuesta en virtud de las necesidades de cada piso.

- Ventanas horizontales longitudinales, gracias a los nuevos elementos constructivos y que permiten una gran iluminación. Se logran gracias a la pérdida del carácter sustentante de los muros, lo que además de iluminación permite ganar espacio.

- No se aprecia ninguna referencia ornamental

1.4- Finalidad y simbolismo. Los edificios diseñados por Le Corbusier, así como los del movimiento moderno racionalista en general, crean una arquitectura funcional, alejada de los historicismos y dinámica, es decir, adaptable a las necesidades. La obra de Le Corbusier era racionalista. Sin embargo, su vinculación con el purismo de Ozenfant le llevó a superar el estricto uso de elementos cúbicos, aportando a sus edificios variantes geométricas no cúbicas. Le Corbusier parece querer ordenar el espacio, normalizando el desorden no rechazándolo, haciendo de los diferentes volúmenes y apariencias un todo ordenado.

2- CLASIFICACIÓN

2.1 ESTILO y PERIODO: Racionalismo, siglo XX. Igual que la anterior.

Resumiendo, los rasgos fundamentales del racionalismo o funcionalismo son:

- Simplicidad de las formas.

- Desaparición de la ornamentación.

- Empleo de materiales industriales.

- Dinamismo constructivo.

2.2 AUTOR: Le Corbusier. Es otro de los grandes maestros del racionalismo arquitectónico. Nacido en Suiza, en París conoció el estudio de Peter Behrens, y al pintor Ozenfant, con quien lazaría una nueva propuesta vanguardista denominada purismo, que pretendía superar el cubismo. Con él fundó la revista El Espíritu Nuevo, en la que escribió muchos de los que luego reuniría en su libro Hacia una Arquitectura. La Casa La Roche en París, fue una primera muestra de sus propuestas. Se trata de un edificio con naturaleza de vivienda y galería que destaca por el paseo arquitectónico donde el banquero suizo Raoul La Roche exponía su colección de arte contemporáneas. Poco después enunció sus Cinco puntos para una nueva arquitectura.

2.3 TÍTULO: La Villa Saboya. Síntesis de los “Cinco puntos para una nueva Arquitectura”, su pureza cúbica alcanza la perfección racionlaista. El interior puede recorrerse en un “paseo arquitectónico” desde el garaje hasta la terraza.

3- CONTEXTO, HISTÓRICO-SOCIAL: Consolidación La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.

Casa sobre la cascada

1- ANÁLISIS DE LA OBRA

1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA FUNCIONAL.

1.2- MATERIALES: Se emplearon en ellas dos tipos de materiales principales: el hormigón armado con el que se levantan los grandes planos horizontales que caracterizan la casa y la piedra del lugar, con la que se realizan en mampostería los elementos verticales, así como las solerías. Además, grandes ventanales de cristal iluminan y ventilan el interior de la residencia.

1.3- ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS Y DECORATIVOS. Se observa en las proximidades se levantó también una casa de invitados. En cuanto a la principal, el resultado es un edificio de varios niveles: el más inferior acoge unos enormes pilares trapezoidales que dejan transcurrir el agua del arroyo, recanalizada en parte para abastecer a una piscina. Las rocas del propio terreno sirven como elementos sustentantes. Sobre esta estructura se levanta la planta principal, que integra un espacioso salón con chimenea, la cocina y unas terrazas voladas al exterior. En segundo nivel se localiza la planta de dormitorios y baños, así como una gran terraza perpendicular a las de la planta inferior, mientras que otras dos, de menor tamaño, se alinean con aquéllas. Sobre este piso se alza aún otro de más reducidas dimensiones, donde se ha dispuesto un estudio, una pequeña zona para habitación y una nueva terraza. Prácticamente todo el mobiliario es diseño del propio arquitecto. Con todo ello Wright ha logrado un edificio de planta compleja, en el que los volúmenes juegan unos con otros, contrastando las líneas verticales y horizontales, y donde los espacios resultantes están lejos de la uniformidad.

1.4- Finalidad y simbolismo. Se tiende a afirmar que esta obra maestra es un ejemplo de integración absoluta en el paisaje, pero deberíamos verla también desde otra perspectiva. Aquí el autor ha logrado dominar por completo a la naturaleza, la ha puesto al servicio de las necesidades humanas, de una tan básica como la del hábitat; ha logrado que el paisaje envuelva a la vivienda y que el agua que transcurre a su través sea un elemento más del conjunto. El cambiante sonido de la cascada forma parte importante de la sinfonía de esta vivienda tan especial. Es cierto que la casa parece flotar en el agua, pero no es menos verdad que el agua resulta ser parte integrante de la propia vivienda.

2- CLASIFICACIÓN

2.1 ESTILO y PERIODO: Arquitectura del siglo XX. Organicismo. Por organicismo hemos de entender todas aquellas manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse a la naturaleza. Esta idea que podemos encontrar en tiempos muy remotos, quien la formula es Frank Lloyd Wright, se basa en:

• El sentido de lo interior como realidad.

• La planta como flexibilidad y continuidad de ambientes.

• La unidad entre el exterior y el interior.

• El uso de materiales naturales.

• La casa como `protección.

2.2 AUTOR: F. Ll. Wright. Arquitecto estadounidense. Nacido en el seno de una familia de pastores de origen británico, pasó su infancia y su adolescencia en una granja de Wisconsin, donde vivió en estrecho contacto con la naturaleza, algo que condicionó su posterior concepción de la arquitectura. Formado en la tradición arquitectónica de la Escuela de Chicago, conoció la arquitectura japonesa en la Exposición Colombina de 1893, y poco después publicó dos proyectos residenciales. Un hogar en una ciudad de la pradera y Una casa pequeña con mucho espacio dentro, influidos por dicha tipología. En ellos estableció sus principios de una arquitectura residencial basada en plantas abiertas y horizontales, y cubiertas con poca inclinación y amplios aleros voladizos. Sus planteamientos vieron la luz en la Casa Robie modelo característico de la vivienda residencial estadounidense. Tras viajar a Europa en los años veinte construyó algunas viviendas en California siguiendo los modelos precolombinos y también diseñó lo que él llamó “viviendas usonianas”, es decir, típicas en USA. Fue en los años treinta cuando proyecto algunas de sus obras más célebres: la Casa Kaufmann, o casa de la cCascada, y las Oficinas Wax Johnson, así como el museo Guggenheim de Nueva York.

2.3 TÍTULO: La Casa de la Cascada. La Casa de la Cascada. Esta es sin lugar a dudas la vivienda más conocida diseñada por Frank Lloyd Wright (1876-1959), un verdadero tótem de la arquitectura del siglo XX levantado en medio de un bosque y un arroyo en el paraje de Bear Run (estado de Pensilvania, Estados Unidos). El edificio que se señala como ejemplo sublime de la arquitectura orgánica, una de las dos grandes corrientes del Movimiento Moderno.

LA VIDA

1- LOCALIZACIÓN.

1.1 TIPO DE OBRA: Pintura, óleo sobre lienzo.

1.2 ESTILO.

1.2.1. PERIODO: Las vanguardias históricas. Periodo azul.

1.3 AUTOR: Pablo Ruíz Picasso. Nació en Málaga en 1881. Tras pasar unos años en La Coruña, sus verdaderos comienzos artísticos se iniciaron en la Escuela de La Lonja de Barcelona donde conoció la bohemia catalana y la incipiente vanguardia que allí se desarrollaba. Ya en el umbral del siglo XX realizó un viaje a París donde descubrió a Degas y Toulouse Lautrec, y donde se instaló de forma definitiva desde 19101. La etapas de su historia artística son las siguientes:

ÉP. AZUL (1901-1904): Personajes escuálidos, Esta es una época de bohemia y penuria económica de soledad que marca su personalidad como pintor, y es perfectamente identificable su estilo: realismo, intimismo y melancolía, que presiden sus cuadros. Los temas se alejan del gusto imperante en las clases burguesas, que era la que podía comprar obras de arte. De su mano se introduce en la lectura de la literatura simbolista francesa de Baudelaire, Rimbaud y especialmente Verlaine; cree que el arte emana de la tristeza y del dolor, con una misión dramática, y que es fuente de emoción más que de placer. Eso y el influjo de los expresionistas alemanes son decisivos en su obra. El suicidio de su amigo Casagemas es otro factor que tendrá un papel importante en la génesis de este periodo. Pero en realidad no es así, lo más lógico es que se influenciara de la obras de otro catalán Isidro Nonell que pintaba a gente marginal. Sus motivos empiezan con gente pobre y marginal: ciegos, locos, prostitutas. El suicidio de su amigo Carlos Casagemas en 1901 en una cena del restaurante L'Hipodrome del bulevar de Clichy de París, delante de sus amigos, al estilo del poeta romántico Larra por un frustrado amor (Laure Gargallo, conocida como Germaine), es considerado, aunque no único, como el inicio de su época azul, un color de tristeza, de luto y de dolor, por ello, le seguirán cuadros de mendigos, ciegos y pobres. Vemos un ejercicio de manos en las figuras que no recuerdan a EL Greco, ya le había dicho su padre “en las manos se ven las manos”. La época azul dura unos tres años, desde finales de 1901 a 1904 y se desarrolla entre Barcelona y París. El monocromo del azul tiene un valor emotivo de tristeza y melancolía.

ÉP. ROSA (1905-1906)

INICIO DEL CUBISMO, ETAPA NEGRA (1907- 1909)

CUBISMO ANALÍTICO (1907-1910)

CUBISMO SINTÉTICO (1911- 1921)

PERIODO HEDONISTA (1921-1925)

Etapa expresionista (1925-1936)

EXPRESIONISMO SURREALISTA (1925-36)

PROTESTA CONTRA LA VIOLENCIA Y LA GUERRA (1937-50).

PERIODO DE EXALTACIÓN RENOVADA.

Además de la pintura Picasso practicó la escultura, el grabado, la cerámica...

1.4 TÍTULO: La Vida.

2. ANÁLISIS COMENTARIO.

2.1 TEMA: Retrato. Se inspira en el expresionismo alemán y obras de Munch (El grito), inspiración de El Greco (de hecho, cuando vino a España de vacaciones con Olga y Pablo en 1934 estuvo en Toledo, entre otras ciudades española) o del dibujante Steinlen.

2.2 ELEMENTOS FORMALES

a) TÉCNICAS. Óleo sobre lienzo.

b) COMPOSICIÓN Y MOVIMIENTO: Prescinde del color para dominar la forma sin distraerse con elementos ajenos a la composición. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas.

c) ANÁLISIS DEL COLOR Y LUZ: El color se ha reducido a distintos tonos de azul. La elección del color azul encaja en su estado de ánimo depresivo, por lo que quiere transmitir por medio de él cómo se siente, de ahí que califiquemos a esta etapa como expresionista.

d) REALISMO-IDEALISMO/SIMBOLISMO: Es una obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor»,

3- CONTEXTO HISTÓRICO. Esta La vida de pablo Picasso se desarrolla en una época caracterizada por las guerras, pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado.

En la exposición Picasso, “Guerra y Paz”, la obra de este, se pone de manifiesto especialmente a partir de los años de la guerra civil española, con la tarea que le encomienda el gobierno de la República de la realización de la pintura mural Guernica para el pabellón español de la Exposición Internacional de París en 1937 y todas las obras que giran en torno a ella que se han erigido en emblema del sufrimiento humano.

Su adhesión al partido comunista francés en octubre de 1944 marca una intensa actividad en favor de una decidida defensa en pro de la libertad y la paz, que queda plasmada en su obra de ese momento y adquiere una dimensión definitiva con su participación en los congresos de la Paz de 1948 en Wroclaw, el de 1949 en París y el de 1950 en Londres, en los que sus dibujos y litografías de palomas se convierten en emblema de la paz mundial.

Además de las ya mencionadas en los congresos de la Paz, Picasso emprende en 1945 la realización de los grandes paneles titulados La guerra y la paz, que en 1954 serían instalados en una capilla de Vallauris y que entrañan un extenso trabajo preparatorio.

Por otro lado, en la cincuentena de dibujos que realiza sobre la escultura L’homme au mouton, encarnación del buen pastor cristiano y reminiscencia de la tradición mediterránea, una larga reflexión en torno al poder del arte frente al terror nos remite por su humanismo al contexto de la guerra, en la que el cordero encarna la víctima y el pastor se erige en paladín de la paz y la tolerancia.

Familia de saltimbanquis

1- LOCALIZACIÓN.

1.1 TIPO DE OBRA: Pintura, óleo sobre lienzo.

1.2 ESTILO.

1.2.1. PERIODO: Las vanguardias históricas. Periodo rosa.

ÉP. AZUL (1901-1904)

ÉP. ROSA (1905-1906) Empleo de tonos cálidos. Los protagonistas son personajes de farándula, del mundo del circo, arlequines, malabaristas.. Temas, circo. La familia de saltimbanquis. Las figuras ya no se mueven en un espacio vacío, aparecen detalles de ambientación. Familia de acróbata con mono, Familia de saltimbanquis

INICIO DEL CUBISMO, ETAPA NEGRA (1907- 1909)

CUBISMO ANALÍTICO (1907-1910)

CUBISMO SINTÉTICO (1911- 1921)

PERIODO HEDONISTA (1921-1925)

Etapa expresionista (1925-1936)

EXPRESIONISMO SURREALISTA (1925-36)

PROTESTA CONTRA LA VIOLENCIA Y LA GUERRA (1937-50).

PERIODO DE EXALTACIÓN RENOVADA.

Además de la pintura Picasso practicó la escultura, el grabado, la cerámica...

1.4 TÍTULO: Familia de saltimbanquis.

2. ANÁLISIS COMENTARIO.

2.1 TEMA: Retrato. No tardaron en aparecer los temas circenses con acróbatas y saltimbanquis como protagonistas, motivos que acabarían llenando las obras del “periodo rosa” de 1905. A esta sincera afición de Picasso por el circo contribuyó en gran medida la instalación temporal del circo Medrano en un lugar muy cercano a su taller parisino.

2.2 ELEMENTOS FORMALES

a) TÉCNICAS. Óleo sobre lienzo.

b) COMPOSICIÓN Y MOVIMIENTO: En el cuadro se observa un grupo de cinco artistas de circo (dos adultos, un joven y dos niños) y en el extremo derecho a una enigmática mujer joven con pamela, figura sentada de pose muy clásica; todos en un paisaje que es un simple descampado bajo un cielo de nubes. El extraño estatismo, la quieta serenidad y el misterioso encanto que emana de la pintura hicieron correr mucha tinta en su momento. c) ANÁLISIS DEL COLOR Y LUZ: El color se ha reducido a distintos tonos de azul. La elección del color azul encaja en su estado de ánimo depresivo, por lo que quiere transmitir por medio de él cómo se siente, de ahí que califiquemos a esta etapa como expresionista. Su abandono de la “serie azul” no fue brusco; algunos cuadros muestran una ligera apertura hacia una paleta más clara, más luminosa, pero aún con tonalidades azuladas y verdes.

La gracia y ligereza de los saltimbanquis se contagió pronto a unas obras que se habían liberado casi completamente del patetismo emocional y de la solemnidad amanerada de la serie anterior. La línea se tornó fina y vaporosa, y el modelado se suavizó y simplificó haciendo las formas más leves y las figuras más ingrávidas e irreales. Su espíritu tenía algo que ver con la amabilidad festiva de la gran pintura francesa del s. XVIII y el afrancesamiento de los primeros años parisinos de Picasso.

Como siempre en la producción picassiana, muchas fuerzas, intereses, motivos y búsquedas estéticas atraían su mente: en la misma época de los temas circenses pintó interesantes retratos, entre los que destaca el de Benedetta, la esposa italiana del pintor Ricardo Canals, que asombra por la poco habitual diafanidad clasicista con que se refleja la fría belleza de una mujer de mediana edad. Así mismo, pintó algún desnudo que poco tenía que ver con los lienzos inscritos en la “serie rosa” como Holandesa con cofia, realizado en Holanda y dedicado a Paco Durio, en el que las voluminosas formas femeninas exentas de linealidad se hacen más evidentes por la pincelada de pigmento rudo que otorga a la figura una áspera carnalidad. Esta obra, así como alguna otra similar, daba una pista sobre las orientaciones que podía tomar su pintura más allá de las amables figuraciones

d) REALISMO-IDEALISMO/SIMBOLISMO: Es una obra La tela inspiró a Rainer Maria Rilke una de sus Elegías de Duino (1923), aquella en la que se encuentran las melancólicas palabras que le evocaron las figuras del cuadro: “[...] un poco más efímeros todavía que nosotros”.

LAS SEÑORITAS DE AVINYÓ

1- LOCALIZACIÓN.

1.1 TIPO DE OBRA: Pintura, óleo sobre lienzo.

1.2 ESTILO.

1.2.1. PERIODO: Las vanguardias históricas. 1907

ÉP. AZUL (1901-1904)

ÉP. ROSA (1905-1906)

INICIO DEL CUBISMO, ETAPA NEGRA (1907- 1909)

CUBISMO ANALÍTICO (1907-1910)

CUBISMO SINTÉTICO (1911- 1921)

PERIODO HEDONISTA (1921-1925)

Etapa expresionista (1925-1936)

EXPRESIONISMO SURREALISTA (1925-36)

PROTESTA CONTRA LA VIOLENCIA Y LA GUERRA (1937-50).

PERIODO DE EXALTACIÓN RENOVADA.

Además de la pintura Picasso practicó la escultura, el grabado, la cerámica...

1.4 TÍTULO: Las Señoritas de Avinyó. Esta imagen inquietante de las prostitutas de un burdel barcelonés (de ahí el título Las señoritas de la calle Avinyó)

2. ANÁLISIS COMENTARIO.

2.1 TEMA: Retrato. Se ha considerado el cuadro más revolucionario de la carrera de Picasso: Les demoiselles d’Avignon o Las señoritas de la calle Avinyó, obra rompedora e iconoclasta que inauguraba el llamado “periodo negro”. Sobre la mayor o menor influencia del arte primitivo africano y pacífico antes o después de esta obra es difícil establecer una precisión cronológica absoluta.

2.2 ELEMENTOS FORMALES

a) TÉCNICAS. Óleo sobre lienzo.

b) COMPOSICIÓN, PERSPECTIVA Y MOVIMIENTO: Marca un punto de inflexión en el arte del siglo XX. Picasso rompe con la norma de que una imagen se ha de representar desde un punto de vista único, a la vez que altera la forma tradicional de tratar el desnudo femenino. Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo Africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar del cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Rompe con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas clara-oscuras. Las mujeres se distribuyen en un interior sin profundidad, delimitado por una cortina. Esta cortina genera un espacio indeterminado, que aboca todas las figuras al primer plano; de manera que parece que las mujeres estén en un escaparate o en un escenario. Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda a las pinturas egipcias. Las mujeres están caracterizadas como figuras terribles. Las tres mujeres de la izquierda exhiben orejas largas y ojos almendrados, mostrando dos de ellas, a la vez, el rostro de frente y la nariz de perfil. La figura agachada impresiona por su rostro deforme de ojos fijos y asimétricos, pintados en colores contrastados, y por la nariz curvada como una hoz. Pero lo más revolucionario de esta figura es que se muestra simultáneamente desde dos puntos de vista, de espaldas y de cara.

Los cuerpos desnudos de las mujeres están encajados y desencajados (los pechos se reducen a agresivas formas geométricas). No se relacionan entre ellas, sino con el espectador, al que interpelan con su mirada y sus gestos.

c) ANÁLISIS DEL COLOR Y LUZ: .

La cortina se estructura en pliegues fragmentados y angulosos, cuyos brillos remiten a El Greco y cuyo aspecto seccionado y anguloso evoca a Cézanne.

GUERNICA

1- LOCALIZACIÓN.

1.1 TIPO DE OBRA: Pintura, óleo sobre lienzo.

1.2 ESTILO.

1.2.1. PERIODO: Las vanguardias históricas.

ÉP. AZUL (1901-1904)

ÉP. ROSA (1905-1906)

INICIO DEL CUBISMO, ETAPA NEGRA (1907- 1909)

CUBISMO ANALÍTICO (1907-1910)

CUBISMO SINTÉTICO (1911- 1921)

PERIODO HEDONISTA (1921-1925)

Etapa expresionista (1925-1936)

EXPRESIONISMO SURREALISTA (1925-36)

PROTESTA CONTRA LA VIOLENCIA Y LA GUERRA (1937-50).

PERIODO DE EXALTACIÓN RENOVADA.

Además de la pintura Picasso practicó la escultura, el grabado, la cerámica...

1.4 TÍTULO: Guernica.

2. ANÁLISIS COMENTARIO.

2.1 TEMA: Es la denuncia a la guerra civil, hacia la violencia, la tragedia que expresaba y que se observa en el cuadro.

2.2 ELEMENTOS FORMALES

a) TÉCNICAS. Óleo sobre lienzo.

b) COMPOSICIÓN, PERSPECTIVA Y MOVIMIENTO: Al orden clásico se superpone una descomposición formal de tipo cubista, un lenguaje netamente moderno que el propio pintor había creado veinte años antes a partir de las “Señoritas d´Avignó”, en donde por primera vez un cuadro no representaba un espacio en el que ocurría algo, sino que era un espacio en el que algo estaba ocurriendo. Con Guernica, el pintor hace explosionar el lenguaje cubista en cuanto a lenguaje que describe de manera analítica la realidad, ya que el análisis cognoscitivo se convierte en fragmentación violenta y destructiva, pues la violencia y la muerte mecanizan los rostros y los miembros de las figuras. Pero, en cierto sentido, la obra supone una recapitulación de otros de sus estilos anteriores, y aunque predomine la influencia cubista, destaca además la desfiguración de la figuras, cercana a la violencia subversiva de los surrealistas. La composición está distribuida a modo de tríptico, ocupando un caballo agonizante el panel central. En total el cuadro reproduce seis seres humanos y tres animales. Picasso encuadra los grupos en dispositivos triangulares, de los cuales, el más importante es el central. En la parte superior de este triángulo, un poco desplazada a la izquierda, aparece una especie de tulipa en perspectiva en cuyo centro, Picasso situó una bombilla eléctrica. La base del triángulo central está señalada por el cuerpo caído del guerrero muerto, un cuerpo desmembrado, descuartizado, que se convierte en un símbolo visual de la matanza. El brazo de la derecha, que acaba también sosteniendo una flor, agarra la empuñadura de una espada rota, mientras el otro brazo acaba en una mano fuerte y callosa, con poderosos surcos cruzados. Entre esas líneas puede reconocerse el dibujo de una estrella de cinco puntas. Esa flor, que puede ser interpretada como una pequeña luz de esperanza dentro un panorama tan visiblemente descorazonador, también, por el contrario, puede que no signifique nada especial. Siendo una reminiscencia, un resto, de la primitiva escena desarrollada en el exterior, en la que la flor brotaba al lado de una cabeza femenina yacente.

c) ANÁLISIS DEL COLOR Y LUZ: Gradación de valores (la alternancia de los planos blancos, negros y grises)

d) REALISMO-IDEALISMO/SIMBOLISMO: Los auténticos protagonistas son la violencia y el horror, mostrados a través de unos medios muy depurados, con pocos elementos, pocos colores y sobre todo con una fuerte carga expresiva que hace que la obra sea clasificada en muchas ocasiones como perteneciente al “expresionismo cubista”.

En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquiade 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista.
Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la "Pietà"^, esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Según la muy discutida interpretación de Juan Larrea, el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco.

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota.

Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador.
Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología.

Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos.

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta. Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración, significando probablemente la pérdida de sangre.La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer.

Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.

Casa en llamas. Además, Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas.

Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya “El Tres de Mayo de 1018 en Madrid”. Es la forma artística de decir «basta de guerras».

Flecha oblicua. Situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos. El alma del caído sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. Él y el niño harán juntos el paso al más allá.

3- CONTEXTO HISTÓRICO. Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

EL GRITO

1- LOCALIZACIÓN.

1.1 TIPO DE OBRA: Pintura, óleo sobre lienzo.

1.2 ESTILO.

1.2.1. PERIODO: Las vanguardias históricas. EXPRESIONISMO. CARACTERÍSTICAS:

- Adaptaron a su temática (angustia, pesimismo) otros lenguajes artísticos (fauvismo y cubismo especialmente)

- Color plano, arbitrario e irreal, y aplicación del mismo de forma , aveces violenta.

- Búsqueda de sensaciones internas.

- De la figuración llegan a la abstracción.

ETAPAS:

- PRIMERA GENERACIÓN (1900-1905): Munch (El grito) Ensor (La entrada de Cristo en Bruselas)

- SEGUNDA GENERACIÓN (1905-1920):

ü Die Brücke (el puente): Kirchner (Autorretrato con una modelo).

ü Der Blaue Reiter (El jinete azul) Kandinsky (La calleja Grün en Murnau) Marc (Establos)

-TERCERA GENERACIÓN (a partir del final de la IGM). Nolde (Danza alrededor del becerro), Kokoschka (La novia del viento)

El artista busca transmitir sus emociones. Recurre para ello a la distorsión y la deformación. La atmósfera de sus cuadros es pesimista y degradante. Atardecer en el Paseo Karl Johann, 1892, El baile de la vida, 1899-1900, El grito, 1893

1.3 AUTOR: Munch. Artista noruego formado en el academicismo de su época. Tras viajar a Bruselas y Paris descubrió a los simbolistas, y de ellos tomó el gusto por la expresión de sentimientos extremos. Su primera exposición en Berlín en 1892 se convirtió en el estímulo para el desarrollo del expresionismo alemán. Representó sentimientos como la soledad y el miedo de manera desgarradora con un uso expresivo del color, el cual llena sus obras deformando las figuras. El empleo de líneas ondulantes en el paisaje, y de diagonales rectilíneas que acaban en el horizonte, aumentan la sensación de angustia. Los personajes solitarios y aislados parecen cadáveres. Obras: Paseo vespertino en Oslo, el grito.

1.4 TÍTULO: El Grito

2. ANÁLISIS COMENTARIO.

2.1 TEMA: La angustia.

2.2 ELEMENTOS FORMALES

a) TÉCNICAS. Óleo sobre lienzo.

b) COMPOSICIÓN, PERSPECTIVA Y MOVIMIENTO:

Análisis. El tema del cuadro es el de una figura central de un hombre (¿Munch?) o una mujer, con dos figuras al fondo a la izquierda caminando sobre un puente en el que no se divisa el final ni el principio y un río que separa dos partes de tierra. Observamos 3 líneas verticales que dividen la obra y marcadas por la figura principal y la barandilla naranja de la derecha que marca las líneas y que alcanza el horizonte, donde empiezan las líneas onduladas. Técnicamente, da pinceladas largas y curvas sobre el óleo y usa el pastel para darle una textura. Los trazos curvos dan movimiento, y juega muy bien con el contraste de colores, lo que ayuda a dividir el cuadro en tercios junto con el puente y el cielo. El sentido de profundidad viene dado por la diferencia de tamaños de la figura principal y los otros dos personajes, utilizando la perspectiva. Existe una cierta desproporción en el personaje central entre rostro y manos. Para lograr este efecto, los pintores expresionistas utilizaban colores fuertes, distorsionaban los rostros y les dotaban de tristeza, jugando con las líneas para transmitir estos sentimientos. Munch tuvo gran influencia en el expresionismo alemán. Munch intenta plasmar la soledad del protagonista y la indiferencia de todos ante su angustia y la del ser humano en general. Se dice que como fuente de inspiración, probablemente en una momia peruana conservada en el Museé del’Homme de París y el que había visitado durante su estancia en Francia.

c) ANÁLISIS DEL COLOR Y LUZ: Es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura. Si nos fijamos, vemos una diagonal desde la parte superior izquierda hasta la parte inferior derecha. El horizonte queda enmarcado al fondo entre el cielo naranja y amarillo y el azul del río, que forman un contraste que dividen el cuadro en el tercio superior y los dos tercios restantes en los que está presente el azul. Este azul se difumina con el agua, mientras que el naranja, hace juego con el de la barandilla del puente. El color azul oscuro es el mismo para los personajes, y se relacionan por ir junto a la barandilla naranja y que forman un contraste de colores: negro–naranja. El color marrón de la orilla y el del suelo del puente, hace que el azul y el naranja, destaque más. Según un estudio realizado en el 2003, indican que el rojo del cielo que observó Munch y pintó en su cuadro, se debió a la explosión del volcán Krakatoa (Indonesia) el 27 de agosto de 1883, y que se escuchó a 4800 kms. del volcán, alcanzó los 180 decibelios, y sus cenizas se elevaron a 80 km. De altura. El azul oscuro del agua denota frío, mientras que los colores del cielo, dan cierta calidez.

d) REALISMO-IDEALISMO/SIMBOLISMO: El cuadro se convierte en un icono cultural y se reproduce en multitud de merchandising como, camisetas, posters, llaveros, tazas, etc…,lo que es contradictorio, y a que su obra es emocional y expresiva, con un estado de ánimo que lucha contra su vacío y sus luchas internas, y típico de esta sociedad que solo cuestiona el consumo. Gracias a la mezcla y el contraste de colores y a la expresividad del personaje, Munch nos transmite desesperación, miedo, indignación, soledad, inseguridad. La figura se tapa los oídos y da la espalda al sol, a la naturaleza, a las otras figuras, y quizás sea porque siente como si todo estuviese en su contra. Los barcos y la iglesia dan sensación de lejanía. Estos sentimientos abundan en el expresionismo, que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que a la realidad objetiva, y anteponía estos sentimientos a las formas.

3- CONTEXTO HISTÓRICO. Eduard Munch pinto el Grito en 1893 en París, sin duda una de las cunas del pensamiento contemporáneo y de las reacciones sociales que siguieron a la Revolución industrial.

La Revolución industrial es un hecho histórico que marca un antes y un después no solo en la historia del pensamiento social y político, sino además, y fundamentalmente, en la forma de organizarnos socioeconómicamente como civilización humana.

La sociedad se subordinó a la economía. De alguna forma una economía de mercado solo podía existir en una sociedad de mercado. Todos los componentes de la economía, incluida la tierra y la mano de obra, se incluyen en ese sistema de mercado y todos los factores de producción son considerados mercancías destinadas a la venta y sujetas al mecanismo de la oferta y demanda. En este marco es donde se origina una fuerte disputa acerca de cómo debería volver a organizarse una sociedad. Y a partir del cual surgen movimientos sociales que reivindican un cambió de las estructuras socio-económicas.

París vivía envuelto en un clima de constante protesta social.

Por un lado estaban los anarquistas que radicalizaron su protesta hasta el límite, iniciando acciones terroristas.

Por el otro estaban los socialistas y también los movimientos sindicales que cada vez iban adquiriendo mayor peso y relevancia dentro de los movimientos sociales.

En 1884 los sindicatos franceses fueron legalizados y un año más tarde se agruparon formando la Confederación General de Trabajadores.

El movimiento sindical francés rechazó la acción política en pos de acciones más directas.

ESTA OBRA SE ACABA DE VENDER POR 91 MILLONES DE EUROS

La persistencia de la memoria

1- LOCALIZACIÓN.

1.1 TIPO DE OBRA: Pintura, óleo sobre lienzo.

1.2 ESTILO.

1.2.1. PERIODO: Las vanguardias históricas. SURREALISMO. CARACTERÍSTICAS: El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación descuidadas hasta ahora, en la omnipotencia del sueño y en el libre ejercicio del pensamiento”, André Bretón, Primer Manifiesto surrealista, 1924. El surrealismo es una vanguardia artística que nació en 1924 a raíz del manifiesto publicado por André Breton, en el que proclamó la omnipotencia del sueño y de la imaginación. El surrealismo artístico tiene dos versiones, una abstracta, en la que inventan universos figurativos personales, y otra figurativa, en la que las escenas sorprenden al espectador por la delirante asociación de los objetos. A esta última tendencia pertenece Salvador Dalí.

CARACTERÍSTICAS:

- Encuentro entre lo racional y lo irracional.

- Exaltación del mundo de los sueños.

- Papel liberador del erotismo.

- Automatismo, en las letras y en las artes.

REPRESENTANTES:

- MAX ERNST. Inventor del frottage. El elefante de las Célebes.

- TANGUY: La tormenta

- CHAGALL: París por la ventana

- MAGRITTE: El espejo falso

- MIRÓ: Perro ladrando a la luna, carnaval del arlequín

- DALÍ: Muchacha en la ventana, la persistencia de la memoria, Cristo de San Juan de la Cruz

1.3 AUTOR: Salvador Dalí (1904-1989) “Sobre la base de un método netamente paranoico ha sido posible obtener una imagen doble, es decir, la representación de un objeto que, sin la mínima alteración figurativa o anatómica, sea al mismo tiempo la representación de otro objeto absolutamente distinto”.

- Interpreta los fenómenos del mundo exterior en función de su obsesión particular. Síntesis entre lo real (DURO) y lo imaginario (BLANDO).

- Hormigas y judías son símbolos constantes de putrefacción, vergüenza o culpabilidad.

- OBRAS: Autorretrato con loncha de Bacon asado, 1941, Muchacha en la ventana, 1925, La persistencia de la memoria, 1931, Premoniciones de la guerra civil, 1936, El enigma de Hitler, 1937, Cristo de San Juan de la Cruz, 1951.

Salvador Dalí estudió en la Academia de Bellas Artes de Madrid, pero en 1929 se instaló en París y formó parte del movimiento surrealista (del que fue expulsado en posteriormente por sus excentricidades). Convirtiéndose en uno de sus máximos representantes. Entre sus obras más representativas dentro de esta corriente, como son La persistencia de la memoria o El gran masturbador, Dalí parece retratarse a sí mismo con sus obsesiones. Más adelante se instaló en Estados Unidos, donde evolucionó paulatinamente hacia posturas más conservadoras.

1.4 TÍTULO: La persistencia en la memoria. 1931

2. ANÁLISIS COMENTARIO.

2.1 TEMA: El mundo de los sueños.

2.2 ELEMENTOS FORMALES

a) TÉCNICAS. Óleo sobre lienzo.

b) COMPOSICIÓN, PERSPECTIVA Y MOVIMIENTO:

Análisis. La obra representa un paisaje onírico, de grandes espacios dilatados, en el que los elementos se asocian de forma insólita. En primer plano a la izquierda, se observa un bloque probablemente de madera, que hace las funciones de una mesa, sobre el que se disponen dos relojes y un árbol incompleto, con una sola rama y sin hojas. El reloj más grande es blando, tiene una mosca sobre él y cae, escurriéndose por el borde de la mesa. El pequeño, parece un reloj de bolsillo cerrado y las hormigas se mueven sobre él.
Pende del árbol un tercer reloj, también blando. En el centro de la obra aparece una extraña figura que simula una cabeza blanda, cuyo cuello se diluye en la oscuridad. Llama la atención la enorme nariz, la especie de lengua que sale de ella y el ojo cerrado
con largas pestañas. La figura parece dormir sobre la arena. El artista ha colocado sobre esta figura un cuarto reloj, igualmente blando y que también parece derretirse o escurrirse.
Los elementos anteriormente descritos se ambientan en lo que parece una playa desierta, con el mar y una cala rodeada de acantilados al fondo. El cielo y el mar se confunden. Respecto al esquema compositivo, predomina la horizontalidad, sólo interrumpida por la verticalidad que marca el tronco del árbol y por las líneas curvas de los relojes y de la figura central, que parecen haber sido introducidas para proporcionar un lento movimiento a la quietud de esta playa.

c) ANÁLISIS DEL COLOR Y LUZ: Los objetos se pintan con detalle, aunque no son reales, como si de un realismo casi fotográfico se tratara. El artista utiliza un color brillante y luminoso en el que contrastan con fuerza los tonos cálidos con los fríos. La luz desempeña un poderoso papel y contribuye a configurar una atmósfera onírica y delirante. El cuadro parece quedar dividido en una parte (al fondo y a la izquierda) de enorme luminosidad y otra (primer plano a la derecha) de sombra.

d) REALISMO-IDEALISMO/SIMBOLISMO: El método empleado en la configuración de esta obra es lo que el propio autor denominó críticoparanoico, que significaba “un sistema espontáneo de conocimiento irracional basado en los fenómenos del delirio”. Con este método, Dalí suspende conscientemente el control de la razón para pintar y dar salida a sus sueños, sus obsesiones y sus delirios.

3- CONTEXTO HISTÓRICO. Dictadura de Primo Rivera en España.

En el año 1931 surge la Segunda República Española. Mientras tanto Dalí se apasiona por las ciencias relacionadas con: físicas, biológicas y cibernéticas. Este mismo año tiene un fuerte conflicto y pelea con su padre que produce una ruptura y separación entre ambos.
En el año 1934 escapa de Cataluña acompañado por Gala y por Dalmau. Ese mismo año tiene lugar la Revolución de Octubre. En el año 1936, comienza la guerra civil española.
Durante el año 1937, Dalí comienza a investigar sobre Lenin y Hitler, dos personajes fuertes del siglo XX. Mientras tanto Picasso realiza una de sus más importantes obras: Guernica, que retrata su visión de la guerra. En el año 1939, finaliza la Guerra Civil Española, en España toma cada vez más fuerza el Franquismo y estalla la Segunda Guerra Mundial.
En el año 1940, a comienzos de la Segunda Guerra Mundial, Alemania invade Francia.
A comienzos del año 1941, mientras en Europa, Alemania liderada por Hitler, arremete contra la URSS y Yugoslavia, se realiza la primera gran exposición en el Museo de Arte de Nueva York. Entre los años 1943 y 1945, Dalí finaliza la creación de dos frescos. En el mundo durante estos años hubo grandes cambios: Italia es vencida en la guerra y se retira de la misma. Finalmente en el año 1945, finaliza la Segunda Guerra Mundial, marcando la historia con: genocidio llevado a cabo por Hitler, devastación casi total de Europa, pobreza suprema y una desolación sin medidas. En el año 1948 regresa a Europa, donde pinta las primeras pinturas religiosas. En España continuaba el Franquismo. En el año 1953, el pintor Salvador Dalí finaliza la creación de dos ilustraciones para La divina comedia de Dante. Mientras tanto España realiza la forma de tratados económicos y militares con Estados Unidos. Mientras en España continuaba el franquismo, se publica la Mustache de Dalí con Philippe Halsman.

El Carnaval de Arlequín

1- LOCALIZACIÓN.

1.1 TIPO DE OBRA: Pintura, óleo sobre lienzo.

1.2 ESTILO.

CARACTERÍSTICAS:

- Encuentro entre lo racional y lo irracional.

- Exaltación del mundo de los sueños.

- Papel liberador del erotismo.

- Automatismo, en las letras y en las artes.

REPRESENTANTES:

- MAX ERNST. Inventor del frottage. El elefante de las Célebes.

- TANGUY: La tormenta

- CHAGALL: París por la ventana

- MAGRITTE: El espejo falso

- MIRÓ: Perro ladrando a la luna, carnaval del arlequín

- DALÍ: Muchacha en la ventana, la persistencia de la memoria, Cristo de San Juan de la Cruz

1.3 AUTOR: Joan Miró. Aunque nacido en Barcelona en 1893, la vida y la trayectoria artísticas de Joan Miró están vinculadas desde su infancia a las tierras de Tarragona -primero Cornudella, de donde era su padre, y después Mont-roig- y Mallorca, de donde procedian su madre. A los dieciocho años decide dedicarse a la pintura en un ambiente dominado por las últimas tendencias artísticas francesas, que pudo ver en directo en las exposiciones cubista y fauve de la Galería Dalmau de 1912. Esas influencias, junto con las de Cézanne y Van Gogh, son las más perceptibles en sus primeras obras, entre 1915 y 1918, donde muestra ya su gusto por figuras y paisajes relacionados con el mundo rural de sus veranos en Mont-roig. Su identificación con ese mundo es el tema de una serie de obras realizadas en los años siguientes que la crítica ha bautizado como detallistas por la minuciosa óptica descriptiva con que trata los objetos y personajes relacionados con las labores del campo.

1.4 TÍTULO: Carnaval de Arlequín. 1924

2. ANÁLISIS COMENTARIO.

2.1 TEMA: El mundo de los sueños.

2.2 ELEMENTOS FORMALES

a) TÉCNICAS. Óleo sobre lienzo.

b) COMPOSICIÓN, PERSPECTIVA Y MOVIMIENTO:

Análisis. Aparecen representados una serie de elementos que se van a repetir posteriormente en otras obras, como las escaleras que pueden servir tanto para reflejar la huída como para la ascensión, o los insectos (parecen fascinarle), su gato, la esfera oscura (el globo terráqueo), etc.

Este camino de libertad del ensueño, de lo onírico, lleva a la creación de un mundo fantasioso y característico. El propio André Bretón dijo de Miró que era el más surrealista de todos ellos. Entre sus signos mezcla miniaturas de objetos reales con signos inventados, como una guitarra o un dado que, a la vez se complementan perfectamente con grafismos convencionales. Aquí vemos en notaciones musicales, en un pentagrama, el reflejo del lenguaje de la guitarra junto a la que aparecen. Los objetos que se distribuyen por el espacio dan sensación de flotar al estar colocados no en una superficie, sino en una habitación en la que el suelo y la pared están realizados con perfecta perspectiva. Una ventana abierta al exterior nos muestra un paisaje típicamente mironiano. Sus figuras alargadas, agusanadas y ameboides resbalan y flotan en este espacio irreal entre objetos y animales. Todo está lleno de vida en el movimiento de esta obra, trabajada con una técnica verdaderamente miniaturista y meticulosa creada con gran sensibilidad y un extraordinario gusto innato, que casa perfectamente con el ambiente festivo que debe acompañar al carnaval.

c) ANÁLISIS DEL COLOR Y LUZ: Los objetos La fantasía de colores que aparece en esta obra es prácticamente insuperable, destacando siempre por su utilización de los colores primarios, el azul, el amarillo y el rojo, utilizando además el blanco y el negro. Precisamente son los colores los que nos mueven a través de las diferentes figuras del cuadro, pero sin una dirección marcada por el artista, sino por el propio espectador.

d) REALISMO-IDEALISMO/SIMBOLISMO:

· Escalera: Simboliza la huída. Es un elemento que empieza a usar aquí pero que empleará en muchas de sus obras.

Insectos: Otros elementos que se repiten en su obra son los insectos, que le interesaban mucho.
Globo: Es la representación del globo terráqueo, idea que le obsesionaba en ese momento a Miró.
Triángulo: El triángulo negro representa la Torre Eiffel.
Metamorfosis: Miró observa elementos de la naturaleza pero no los plasma en sus cuadros tal y como son, ni tan siquiera como los ve él. Lo que hace es un proceso de metamorfosis para crear formas diferentes. Por eso sus obras tienen siempre parecidos elementos, que se han convertido en el referente de su arte.
Arlequín: Aunque no encontramos una jerarquía establecida en el cuadro, por el título sabemos que Arlequín es el protagonista. Porta sombrero, bigote,...
Carnaval: La escena es un carnaval, donde las apariencias pueden transformarse para ver otrsa que hay debajo. Por eso, las formas tan extrañas tienen un simbolismo concreto. Este cuadro, según el propio Miró, fue realizado cuando sufría alucinaciones por el hambre.

3- CONTEXTO HISTÓRICO. Dictadura de Primo Rivera en España.

En el año 1931 surge la Segunda República Española. En el año 1936, comienza la guerra civil española. En el año 1940, a comienzos de la Segunda Guerra Mundial, Alemania invade Francia. A comienzos del año 1941, mientras en Europa, Alemania liderada por Hitler, arremete contra la URSS y Yugoslavia, se realiza la primera gran exposición en el Museo de Arte de Nueva York. En el mundo durante estos años hubo grandes cambios: Italia es vencida en la guerra y se retira de la misma. Finalmente en el año 1945, finaliza la Segunda Guerra Mundial, marcando la historia con: genocidio llevado a cabo por Hitler, devastación casi total de Europa, pobreza suprema y una desolación sin medidas. En España continuaba el Franquismo.

domingo, 11 de mayo de 2014

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